Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Если говорить о загадках и символизме в живописи мирового искусства за последних 100 лет, то непременно приходит на ум имя прославленного бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта. Главной направленностью его творчества было «сочетание несочетаемого», а также использование символов, которые и стали визитной карточкой художника.
Магритт как человек был очень прост. Его жизнь многие считают скучной и однообразной. Живя в затворничестве, он никогда не путешествовал и даже редко выходил дома. А вот творчество живописца преисполнено такого полета фантазии, что можно позавидовать. Широчайший ее диапазон не знал границ, хотя сам художественный язык был весьма немногословен.
Сам художник свое творчество относил к направлению магического реализма и не очень любил, когда его зачисляли в круг сюрреалистов. По технике исполнения работы известного бельгийца чем-то напоминают плакатную живопись, которая в наши дни переживает новый пик популярности.
Немного из биографии художника
Родом Рене Магритт (1898 — 1967) из провинциального бельгийского городка Лессин. Отец будущего художника был торговцем тканей, мать — работала швеей. 14–летним подростком он стал свидетелем трагедии, которая разыгралась на берегу городской реки Самбр. По неизвестным причинам его мать бросилась в реку, и сын собственными глазами видел как оттуда доставали ее бездыханное тело. До того несчастная женщина неоднократно пыталась покончить с собой. Но всегда ее спасал муж, которого в этот раз не оказалось рядом.
Эти трагические события серьезно повлияли на мировосприятие будущего художника. Испытав глубокое потрясение, он замкнулся в себе и жил в постоянном поиске ответов на вопросы, которые возникали в его подсознании, а позже «говорил» о них сам с собой через свои картины.
Семье Магриттов довольно долго удавалось скрывать факт самоубийства матери, даже жена Рене узнала об этой истории не сразу. Он никогда не затрагивал эту щепетильную тему, однако как только она вскрылась, психологи тут же кинулись искать в картинах художника скрытый подтекст.
В 18 лет Рене Магритт стал студентом Королевской академии изящных искусств в Брюсселе. Однако, прозанимавшись там около двух лет, юноша ушел из академии и устроился художником на фабрику бумажной продукции. В 1926 создал первое свое творение «Потерянный жокей», а через год уже состоялась его персональная выставка. Но и публика, и критика довольно холодно встретила новоиспеченного сюрреалиста и его творения.
После неудачного дебюта Магритт оставляет работу и едет в Париж, где знакомится с известными сюрреалистами того времени. Общение с ними кардинальным образом изменило представление об искусстве молодого начинающего художника, повлияло на художественную манеру, стиль и почерк, которые в корне отличались от привычного изобразительного языка сюрреализма.
С тех пор за Магриттом закрепилась репутация мастера, который на протяжении всей творческой карьеры был верен одной и той же манере — хотя в действительности это совсем не так. Начав из абстракции в 20-х, в 30-х перешел к сюрреализму, а в годы войны явно прослеживается импрессионистический стиль, приближенный к стилистике Ренуара, который резко осудили сюрреалисты. После художник вновь вернулся к своим довоенным образам, над которыми работал до конца своих дней.
Однако наиболее важная роль Магритта в истории искусства состоит в том, что он первым поместил на картинную плоскость слова, так как считал, что живопись и слова имеют нечто общее. Хотя в самой Европе это новаторство не было оценено по достоинству, в то время как в Америке оно было принято на «ура». И поэтому, именно в США, где в наши дни собрано огромная часть работ из наследия художника, Рене Магритт получил признание и кардинально повлиял на новые поколения живописцев.
Стоит также отметить, что Магрит был великолепным мастером не только загадок, а и символизма. На протяжении всей карьеры он использовал несколько предметов, которые переходили из одной картины на другую. Это были трубка, яблоко, тромбон, роза, жокей, шляпа-котелок, простыня, которой художник иногда прикрывал лица своих героев.
Символическая шляпа, кочующая из полотна на полотно
Согласно статистике из 2000 тысяч полотен, написанных Магриттом, более чем на 50 художник использовал примечательную деталь – шляпу-котелок, ставшую отличительной чертой творчества Рене.
Начали производить такие шляпы еще во второй половине 19 века специально для британского среднего класса. А вначале 20 века они вошли в моду и стали весьма популярны. Неформальный и практичный вид сделал этот атрибут обязательной частью мужского гардероба
Читать еще: В каком году родился лесков. Н.С
Впервые персонаж в черном пальто и шляпе появлялся перед зрителем еще в первых работах мастера в 1926 году на картине «Размышления одинокого прохожего». И потом на протяжении 40 лет Рене с перерывами возвращался к образу мужчины в шляпе-котелке. В нем исследователи не без основания усмотрели образ самого автора.
В 50-е годы этот головной убор вышел из моды, и тогда «шляпный мотив» Магритта выступил на первый план. Шляпы-котелки, написанные в реалистичном стиле, стали символом анонимности и загадочности.
В каких только ракурсах образ мужчины, носящего шляпу, не появлялся на полотнах художника – и развернутым спиной к публике, и стоящий в профиль, и скрывающим свое лицо каким-либо предметом. «Котелок. не удивляет», – как-то сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, спрятанный в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться».
Шляпы-котелки Магритт возвел в иконографию в своем творчестве. Забавной получилась ирония: живописец избрал предмет, который должен был обеспечивать неузнаваемость, но все обернулось иначе. Шляпа-котелок стала одним из главных атрибутов картин легендарного Рене Магритта, его визитной карточкой. А за самим Магриттом закрепился образ маленького буржуа в шляпе-котелке.
Личная жизнь художника
Рассматривая личность Магритта как художника, нельзя не приоткрыть несколько страниц из его личной жизни. История его любви к одной единственной женщине уходит глубоко корнями в детские годы. Именно тогда мальчишка познакомился со своей будущей суженой, и именно с тех пор они были практически неразлучны. Дочь мясника, жившего по соседству, Жоржетта Бергер стала свидетельницей того, как Рене принял неожиданное решение стать художником. Это было уже после смерти его матери, когда прогуливаясь по кладбищу, они увидели живописца за работой. В скором времени девушка переехала жить в Брюссель, а Рене, решив учится на художника, отправился следом.
С учебой не сложилось, а после армейской службы Рене сделал девушке предложение, и молодые в 1922 году обвенчались. Жоржетта стала не только любящей и преданной женой, она была для Магритта музой и моделью, с которой он писал все женские образы.
В своих чувствах к жене художник был постоянен, они жили очень счастливо и, казалось, это будет продолжаться вечно. Но по истечению 14 лет супружеской жизни Магретт увлекся некой Шейлой, участницей перформансов, и на время совсем потерял голову. Отвергнутая жена в отместку супругу завела интрижку с художником Полем Колине. Однако не пройдет и четырех лет как супруги Магретт снова окажутся вместе.
Рене Магритт скончался в 1967 году от рака поджелудочной железы, а Жоржетта пережила своего мужа почти на 20 лет.
Почему Рене Магритт был помешан на шляпах
Какая деталь в картинах Рене Магритта особо выделяется, кочуя из одного полотна в другое? Правильно, это – шляпа-котелок. Великий сюрреалист не просто так выбрал эту деталь – за котелком стоит любопытное переплетение исторического времени с воображением бельгийского художника.
За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене.
Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок. не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться».
Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых популярных шляп. Головной убор считался неформальным и практичным одновременно, что делало его обязательной частью мужского гардероба.
Правда, в 1920-е годы тоже были эпизоды, когда аксессуар фигурировал в карьере Магритта. В те времена художник оставил свою работу в качестве иллюстратора для модного каталога. Ранние картины содержат в себе отсылки к поп-культуре, которая тогда ассоциировалась со шляпой-котелком. Магритт, который был страстным любителем криминальной литературы, работал над картиной «Убийца в опасности», где два детектива в котелках готовятся войти в комнату, где было совершено убийство.
Затем художник отказался от «шляпного» мотива, не используя его несколько десятилетий. Шляпы вновь изобразились на холсте в пятидесятые-шестидесятые годы, став важной частью поздней карьеры Рене. К тому времени ассоциации с человеком в шляпе кардинально изменились: от четкой отсылки к профессии (к детективам, в основном), до символа среднего класса.
Читать еще: Краткий рассказ о картине В. Костецкий Возвращение
Но, как и положено в творчестве Магритта – все не так, как нам кажется. «Он играет с этим чувством: “Мы думаем, что мы знаем, кто этот человек, но знаем ли мы?” – говорит Кайтлин Хаскелл, организатор выставки Рене Магритта в Сан-Франциско. –Тут есть чувство интриги, не смотря на то, что сама фигура – стереотипно-буржуазна и не представляет особого интереса»
«Если вы возьмете гениальность Магритта и должны будете рассказать о ней в одном предложении: “Почему Магритт так важен? Почему его образы являются неотъемлемой частью общественного воображения и сознания?” Все потому, что он создает невероятно понятные и четкие картины, в которых нет четкого смысла», – говорит Энн Умланд, куратор картин и скульптур Нью-Йоркского музея современного искусства. «Шляпа-котелок работает именно таким образом».
Существует теория, что шляпа функционировала в качестве «анонимайзера» для самого Рене. Примерно в те времена, когда на картинах вновь появились головные уборы, Магритт стал надевать шляпу для фотосессий. Вполне возможно, что галантные господа из картин – это автопортреты самого Рене.
Это проиллюстрировано в картине под названием «Сын Человеческий», которая выступает в качестве автопортрета художника. Рене рисует себе шляпу-котелок и крупное яблоко, плавающее перед его лицом, затмевающее его настоящую личность.
Тем не менее, в 50-е годы улицы города перестали изобиловать шляпами-котелками. Аксессуар стал старомодным, и следящим за трендами горожанам пришлось от него отказаться. Тогда шляпы Магритта, нарисованные в реалистичном стиле (в разгар абстрактного экспрессионизма), стали символом анонимности. В картинах Рене они выступили на первый план, вместо того, чтобы исчезнуть в безликой толпе.
По сути, шляпы-котелки стали иконографической подписью Магритта. Получается забавная ирония: художник выбрал деталь, которая обеспечит неузнаваемость, но все сработало наоборот. Теперь шляпа-котелок – один из главных объектов творчества легендарного Рене Магритта.
Вероломство Рене Магритта: 5 загадок сюрреализма
Белла Адцеева
Бельгийский художник Рене Магритт, несмотря на несомненную принадлежность сюрреализму, в движении всегда стоял особняком. Во-первых, он скептически относился к едва ли не главному увлечению всей группы Андре Бретона – психоанализу Фрейда. Во-вторых, сами картины Магритта не похожи ни на безумные сюжеты Сальвадора Дали, ни на причудливые пейзажи Макса Эрнста. Магритт использовал, в основном, обычные повседневные образы – деревья, окна, двери, фрукты, фигуры людей – однако его картины не менее абсурдны и загадочны, чем работы его эксцентричных коллег по цеху. Не создавая фантастических предметов и существ из глубин подсознания, бельгийский художник делал то, что Лотреамон называл искусством – устраивал «встречу зонтика и пишущей машинки на операционном столе», небанально сочетая банальные вещи. Искусствоведы и ценители до сих пор предлагают все новые трактовки его картин и их поэтичных названий, почти никогда не связанных с изображением, что еще раз подтверждает: простота Магритта обманчива.
Сам Рене Магритт свое искусство называл даже не сюрреализмом, а магическим реализмом, и с большим недоверием относился к любым попыткам интерпретации и уж тем более поискам символов, утверждая, что единственное, что нужно делать с картинами – рассматривать их.
Может, как раз из-за мистического сочетания предметов или потому, что сами картины Магритта зачастую больше напоминают рекламный плакат, созданные им образы прочно вошли в массовую культуру, а приемы, ставшие «визитной карточкой» художника, сегодня цитируют в современной культуре и используют дизайнеры.
Человек в котелке
Загадочный господин в пальто и шляпе-котелке – пожалуй, самый часто встречающийся и самый известный персонаж, созданный Магриттом. Впервые мужчина в пальто и котелке, стоящий спиной к зрителю, появился на его картине в 1926 году. «Размышления одинокого прохожего» была написана в раннем возрасте, и некоторые искусствоведы склонны видеть в ней влияние смерти матери Магритта, которая утопилась в Самбре, когда будущему художнику было 13 лет.
С этого момента Магритт периодически возвращался к образу загадочного незнакомца в котелке, изображая его то на песчаном берегу моря, то на городском мосту, то в зеленом лесу или лицом к горному пейзажу. Незнакомцев могло быть двое или трое, они стояли спиной к зрителю или полубоком, а иногда – как, например, на картине High Society (1962) (может быть переведено, как «Высокое общество» — прим. ред.) – художник обозначал лишь контур мужчины в котелке, наполняя его облаками и листвой. Наиболее известные картины, изображающие незнакомца – «Голконда» (1953) и, конечно, «Сын человеческий» (1964) – самая растиражированная работа Магритта, пародии и аллюзии на которую встречаются так часто, что образ живет уже отдельно от своего создателя. Изначально Рене Магритт писал картину как автопортрет, где фигура мужчины символизировала современного человека, утратившего индивидуальность, но оставшегося сыном Адама, который не в силах устоять перед искушениями – отсюда яблоко, закрывающее лицо.
Читать еще: Где похоронен репин. Пламенная страсть Ильи Репина
Сегодня образ эксплуатируют все, от поклонников продукции Apple, заменяющих незнакомца фигурой Стива Джобса, до рекламодателей, по-своему интерпретирующих абсурдное сочетание предметов. В рекламной кампании Volkswagen – сразу несколько аллюзий на Магритта, но моментально считывается отсылка к «Сыну человеческому», которого здесь заменили на заправщика, а яблоко – на песочные часы, символизирующие «абсурдно низкое потребление» (бензина – прим. ред.).
«Влюбленные»
Рене Магритт довольно часто комментировал свои картины, но одну из самых загадочных – «Влюбленных» (1928) – оставил без объяснения, предоставив простор для интерпретаций искусствоведам и поклонникам. Первые вновь увидели в картине отсылку к детству художника и переживаниям, связанным с самоубийством матери (когда ее тело достали из реки, голова женщины была укрыта подолом ночной сорочки – прим. ред.). Самая простая и очевидная из существующих версий – «любовь слепа» — не вызывает доверия у специалистов, которые чаще трактуют картину как попытку передать изолированность между людьми, неспособными преодолеть отчуждение даже в моменты страсти. Другие видят здесь невозможность понять и узнать до конца близких людей, третьи понимают «Влюбленных» как реализованную метафору «потерять голову от любви».
В том же году Рене Магритт написал вторую картину под названием «Влюбленные» — на ней лица мужчины и женщины так же закрыты, но изменились их позы и фон, а общее настроение с напряженного сменилось на умиротворенное.
Как бы то ни было, «Влюбленные» остаются одной из самых узнаваемых картин Магритта, загадочную атмосферу которой заимствуют сегодняшние артисты — к примеру, к ней отсылает обложка дебютного альбома британской группы Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep in Conversation (2003).
«Вероломство образов», или Это не …
Названия картин Рене Магритта и их связь с изображением — тема для отдельного изучения. «Стеклянный ключ», «Свершение невозможного», «Человеческий удел», «Препятствие пустоты», «Прекрасный мир», «Империя света» — поэтичные и таинственные, они почти никогда не описывают то, что видит на холсте зритель, а о том, какой смысл хотел вложить в название художник, в каждом отдельном случае приходится только догадываться. «Названия выбраны таким образом, что они не дают поместить мои картины в область привычного, туда, где автоматизм мысли непременно сработает, чтобы предотвратить беспокойство», — объяснял Магритт.
В 1948 году он создал картину «Вероломство образов», которая стала одной из самых известных работ Магритта благодаря надписи на ней: от несоответствия художник пришел к отрицанию, под изображением трубки написав «Это не трубка». «Эта знаменитая трубка. Как люди попрекали меня ей! И все же, вы можете набить ее табаком? Нет, это ведь всего лишь изображение, не так ли? Так что, если бы я написал под картиной «Это трубка», я бы солгал!» — говорил художник.
Впоследствии Магритт несколько раз воспроизводил свою «не трубку», в частности, в 1966 году написал картину «Две тайны», поместив на нее «Вероломство образов» в раме на мольберте, а сверху – еще одну большую трубку. То же самое в 1964 году он сделал с яблоком («Это не яблоко», 1964) – еще одним предметом, кочующим из одной картины Магритта в другую.
Подобное кажущееся противоречие пришлось по вкусу работникам рекламной индустрии, регулярно размещающим под изображением своего товара подпись «Это не …». Одну из самых остроумных кампаний презентовала страховая фирма Allianz – под изображениями молотка, банановой кожуры и черепицы находятся соответствующие надписи «Это не молоток», «Это не кожура банана», «Это не черепица», а мелкими буквами внизу приписано: «Это вечный расплющиватель пальцев», «Это злостный вредитель спине», «Это причина болезненной шишки».
Небо Магритта
Небо с плывущими по нему облаками – настолько повседневный и употребляемый образ, что сделать его «визитной карточкой» какого-то конкретного художника кажется невозможным. Однако небо Магритта нельзя перепутать с чьим-то другим – чаще из-за того, что на его картинах оно оказывается отраженным в причудливых зеркалах и огромных глазах, наполняет контуры птиц и вместе с линией горизонта из пейзажа незаметно переходит на мольберт (серия «Человеческий удел»). Безмятежное небо служит фоном незнакомцу в котелке («Декалькомания», 1966), заменяет серые стены комнаты («Личные ценности», 1952) и преломляется в объемных зеркалах («Элементарная космогония», 1949).
Источники:
http://kulturologia.ru/blogs/190219/42279/
http://cameralabs.org/12271-pochemu-rene-magritt-byl-pomeshan-na-shlyapakh
http://ria.ru/20131121/978422160.html
